Живописта може да се нарече един от най-важните компоненти на руската култура. Великолепни пейзажи, исторически събития, портрети на известни личности и обикновени хора, художествени сюжети – всичко това е отразено в творбите на изтъкнати художници… Благодарение на големия си талант и усърдие много от тях стават известни не само в родината си, но и в много други страни по света. В тази колекция ще разгледаме петнадесет от най-разпознаваемите шедьоври на Българските майстори на живописта.
Преглед на най-известните картини на Български художници
| Номинация | място | Работата | рейтинг |
| Преглед на най-известните картини на Български художници | 1 | „Рицарят на кръстопът“, Виктор Васнецов | 5.0 |
| 2 | „Казаците“, Иля Репин | 4.9 | |
| 3 | „Конницата“ от Карл Брюллов | 4.9 | |
| 4 | „Седящият демон“, Михаил Врубел | 4.8 | |
| 5 | „Явяването на Христос пред хората“, Александър Иванов | 4.8 | |
| 6 | „Неравен брак“, Василий Пукирев | 4.7 | |
| 7 | „Пристигнаха гарваните“, Алексей Саврасов | 4.7 | |
| 8 | „Ловци в покой“, Василий Перов | 4.7 | |
| 9 | „Bogatyrs“, Виктор Васнецов | 4.7 | |
| 10 | „Момиче с праскови“ от Валентин Серов | 4.7 | |
| 11 | „Последният ден на Помпей“ от Карл Брюллов | 4.6 | |
| 12 | „Бурлаки на Волга“, Иля Репин | 4.5 | |
| 13 | „Бояриня Морозова, Василий Суриков | 4.5 | |
| 14 | „Непознатата“, Иван Крамской | 4.5 | |
| 15 | „Утро в борова гора“ от Иван Шишкин и Константин Савицки | 4.5 |
„Рицарят на кръстопът“, Виктор Васнецов
Оценка: 5.0
Картината „Рицар на кръстопът“ е повратна точка в живота на Васнецов, която определя по-нататъшната посока на неговото творчество. Той вече е известен като пътуващ художник, но успехът на творбата го кара да посвети още много картини на Български епични сюжети. Идеята за тази картина датира от началото на 70-те години на XIX в., когато Васнецов, след като прочита разказа „Иля Муромец и разбойниците“, създава първите скици на филма. Но окончателният вариант е завършен едва през 1882 г. Князът на преден план стои замислен пред камъка, надписът върху който гласи: „Няма път нито за преминаващ, нито за преминаващ, нито за преминаващ“. Друга част от надписа, гласящ „Да отидеш надясно, означава да се ожениш; да отидеш наляво, означава да забогатееш“, е частично изтъркана и частично обрасла с мъх. Художникът е искал да изобрази отчаяния характер на пътуването на рицаря, чието единствено предназначение е да се бие на бойното поле. Цялостният драматизъм на композицията е подчертан от останките на друг ездач и кон, както и от черните врани. Интересен детайл – в ръцете си ездачът държи пехотно копие, което символизира готовността на богатира да се бие пеша, дори след като е загубил бойния си кон.
„Запорожец“, Иля Репин
Оценка: 4.9
Тъй като Иля Репин е роден и израснал в Чугуев, Харковска област, той силно се интересува от историята на Украйна, от нейните обичаи и по-специално от казачеството. Затова, когато историкът Дмитрий Яворницки чува за писмото на запорожките казаци до турския султан по време на светска среща, той решава да запечата събитието на платно. Според легендата в края на XVII в., след като армията на Сич е разбита от 15-хилядна турска войска, султан Махмуд IV изпраща послание до запорожките казаци, в което се нарича „наместник на Бога“ и им нарежда да се предадат доброволно. В отговор свободолюбивите казаци, начело с атамана Иван Сирко, пишат иронично писмо, в което излагат целия си запас от обидни метафори и нецензурни изрази. Не е известно дали великият турски „брат на слънцето и луната“ е получил тази уникална творба в епистоларния жанр, но тя е останала завинаги в историята. Преди да започне работа по картината, Репин пътува до Украйна, за да изучи културата на запорожките казаци. Благодарение на това общата атмосфера и някои детайли, като оръжията и дрехите, отговарят на реалностите от съответното време. Художникът завършва работата си през 1891 г., 13 години след като прави първата си скица с молив. Творбата е закупена за голяма сума от император Александър III, а по-късно печели златни награди на изложби в Германия и Унгария.
„Конницата“ от Карл Брюллов
Оценка: 4.9
За един от най-добрите представители на Българския романтизъм с право се смята Карл Брюллов. Неговият портрет „Конница“ се възхищава заради детайлите, перфектните пропорции и съчетанието от изражение и спокойствие. Картината е нарисувана през 1832 г. за графиня Юлия Самойлова, с която Брюллов се запознава в Рим. Момичето на кон и малкото момиче в розово, което тича към нея, са Джованина и Амасилия, чираците на графинята. Художникът майсторски е предал динамиката на сюжета, като всички герои на платното са в движение. Освен това той умишлено е избрал контрастни тонове, които позволяват визуално да се подчертае образът на жената-конник. След като картината е завършена, тя е представена на изложба в Академията за изящни изкуства „Брера“ в Милано. Италианците са възхитени от творбата на Българския художник, а историците на изкуството я нареждат до Ван Дайк и левенс, като казват, че светът никога не е виждал толкова изящно направен конски портрет. Картината остава в частната колекция на графиня Самойлова в продължение на години, до 1893 г., когато е откупена за Третяковската галерия.
„Седящият демон“, Михаил Врубел
Оценка: 4.8
Образът на седящия, тъжен демон идва на Врубел от стихотворението на Лермонтов „Демон“. Художникът създава тридесет илюстрации за юбилейното издание на „Демон“. Главният герой на картината съчетава в себе си огромна сила, подчертана от мускулесто, напрегнато тяло, и душевни терзания, ясно видими на лицето му. Седнал на планински връх, младият великан гледа с копнеж към разгръщащия се залез в един жив свят, от който той самият не е част. Демонът е заобиколен от причудливи скали и ефирни цветя, които приличат повече на кристали. Този мъртъв пейзаж допълва меланхоличното настроение, създадено от образа на героя и предисторията, която той знае от стихотворението. Любопитно е, че демонът е облечен в синьо, което традиционно се свързва с благородство и божественост. Този цвят не е избран случайно – той подсказва за небесния произход на героя. В разбирането на автора демонът не е отрицателен персонаж, а по-скоро символ на разбунтувалата се душа, която не намира отговор на своите съмнения. Освен че е талантлив художник, Врубел създава творбата в любимия си фасетиран стил, благодарение на който тя прилича на витраж. За да постигне подобен ефект, художникът нанася плоски, големи щрихи с нож за мазане.
„Явяването на Христос пред хората“, Александър Иванов
Оценка: 4.8
Увлечението на Иванов по библейските сюжети започва още в ранния етап от творчеството му и го поглъща напълно след пристигането му в Рим. Там художникът изучава свещени текстове, прерисува шедьоврите на Микеланджело и все по-често обмисля идеята да нарисува свое собствено платно, което да бъде средство за предаване на християнските идеи чрез изкуството. Започва работа по картината през 1837 г. и я завършва 20 години по-късно. Подходът на Иванов е бил много новаторски за времето си, тъй като е предполагал отклонение от каноните на академизма и акцентиране на вниманието на зрителя върху емоционалния компонент. Става дума за едно от най-важните библейски събития, описани в първата глава на Евангелието на Йоан. Александър Иванов прави около шестстотин скици, повечето от които по-късно са изложени в музеи и частни колекции. Всеки герой на платното е внимателно проучен; някои от тях са нарисувани с истински прототипи, за да изглеждат реалистично. Например мъжът с изразителния поглед, който стои полуобърнат към Месията, е копиран от Николай Гогол. Пътникът с тояга, седнал близо до Джон, е самият Иванов. Но образът на Исус се основава на рисунки на мозайка от Палермо, скулптурата на Аполон от Белведере и портрета на Исус… лице на жена. След завършването на картината художникът я отнася с лодка до Санкт Петербург. Интересно е, че поради големия си размер (750 на 540 см) картината не се побира в трюма и трябва да бъде поставена директно на палубата. За голямо разочарование на Иванов, творчеството му не впечатлява съвременниците му, то е твърде дълбоко и новаторско за периода. Но след смъртта на Иванов картината е откупена от император Александър II, който по-късно я дарява на Румянцевския музей.
„Неравностоен брак“, Василий Пукирев
Оценка: 4.7
През живота си Василий Пукирев създава доста картини в различни жанрове: пейзажи, портрети, исторически сюжети, но само една от творбите му осигурява универсална слава. Това, разбира се, е картината „Неравен брак“, нарисувана през 1862 г. Тя ярко подчертава актуалния проблем с положението на младите момичета, които са сключвани с нелюбими, но богати и често възрастни женихи. Почти всеки втори брак е сключен по финансови или социални причини. Картината рязко противопоставя образа на младоженеца на портрета на булката: той изглежда надменен и хладнокръвен, докато тя едва се сдържа да не се разплаче или да не припадне. На заден план по-възрастни мъже, очевидно приятели на младоженеца, безцеремонно се взират в булката, явно одобрявайки изгодната „покупка“. Младият мъж, който стои с кръстосани крака от дясната страна, заслужава специално внимание. Съвременници твърдят, че художникът се е вдъхновил от личната си драма, а прототип на булката е Праскова Варенцова, момичето, в което Пукирев е бил влюбен и което се омъжва за богат, възрастен чиновник. Представена на изложба в Санкт Петербург, тази актуална картина веднага привлича вниманието на публиката. Не след дълго Василий Пукирев е повишен в ранг професор по живопис.
„Пристигнаха гарваните“, Алексей Саврасов
Оценка: 4.7
Като един от художниците на Передвижника, Саврасов съсредоточава голяма част от работата си върху Български пейзажи. Той рисува прочутите си „Гарвани“ през 1871 г., след като посещава село Молвитино (сега Сусанино) в Костромска област. Старинната възрожденска църква в село Молвитино (построена през XVII в.) е прототип на църквата от картината. Целият сюжет е много прост, но отлично предава състоянието на природата преди предстоящото настъпване на пролетта в селото. В картината липсват ярки цветове, напротив, преобладават сиви и кафяви нюанси, цари спокойствие и обикновеност. Главните герои, разбира се, са гарваните, някои от които все още са в движение, но другите вече са успели да намерят своето място на дърветата. Завръщащите се гарвани – предвестници на топлината. Размразяването на водата и ясното синьо на небето, което пробива през облаците, подсказват за пролетното настроение. При рисуването на ладиите Саврасов умишлено ги прави да изглеждат малко по-големи, жертвайки реализма в името на символизма. Мистицизмът лъха от тъмните силуети на птиците, а образът им неизбежно изисква сравнение с „възкресението“ след „мъртвия“ зимен сън. Религиозното значение може да се види и в други части на картината: зад дърветата има върба, чиито клони традиционно се използват в България за празнуването на Цветница. В процеса на създаване художникът е използвал сложна техника на рисуване, съчетаваща различни методи на нанасяне на боите, нанасяне на цветна основа, глазура и т.н. Завършената картина веднага е закупена от колекционера и меценат Павел Третяков, който я представя на публиката на изложба в София.
„Ловци в покой“, Василий Перов
Оценка: 4.7
Тази картина е нарисувана от Перов в по-късния му творчески период, през 1871 г. По това време художникът постепенно се отказва от изобразяването на суровия селски живот, като предпочита по-малко песимистични сюжети. Трима ловци са герои, които се излежават в средата на полето. Най-възрастният от тях, благородник на външен вид, разказва страстно историята, като жестикулира енергично за по-голяма убедителност. Послушникът го слуша със затаен дъх, толкова е впечатлен от ловните истории, че дори забравя за пламъка, с който иска да запали цигарата си. Третият герой, облечен като селянин, слуша с иронична усмивка и подчертан скептицизъм на лицето. Подобни истории очевидно не са нови за него. Есенният пейзаж служи за фон, който позволява на художника да се съсредоточи върху основните фигури в картината. Зад привидната комичност на ситуацията се крие дълбок смисъл: ловците олицетворяват етапите на човешкия жизнен цикъл, преминавайки през ентусиазирана младост, преживяна недоверчива зрялост и старост, идеализирайки спомените от миналото. Авторът на картината, сам запален ловец, старателно и прецизно изобразява дивеча, оръжията и принадлежностите. Рогът обаче е предназначен за лов с кучета, докато самите кучета не се виждат никъде, а горската птица и заекът, лежащи заедно, будят недоумение. Просто Перов се шегува със запознатия зрител и дава да се разбере, че подобно на стария разказвач, той самият няма нищо против да украсява реалността.
„Богатир, Виктор Васнецов
Оценка: 4.7
Темата за фолклора е много популярна сред Българските художници от втората половина на XIX век, но за повечето от тях тя е само малък етап в търсенето на художествена насока. Виктор Васнецов, който посвещава живота си на илюстрирането на славянски библии и епоси върху платно, е друга история. За връх в творчеството му се смята „Богатири“, който въплъщава духа на Българския народ, както си го е представял художникът. Започнал с малки скици през 1881 г., той работи усилено, събирайки митове, легенди и действителни исторически факти. Резултатът е истински шедьовър, прославил Васнецов за много поколения напред. На платното са изобразени трима конници: Иля Муромец е в центъра, Добриня Никитич – вдясно, а Альоша Попович – вляво. Техните образи заедно олицетворяват творческата сила на България и положителните качества на хората, които живеят в нея. От Муромец лъха на мъдрост и вековни традиции, Добриня въплъщава гордостта на защитник на родния край, а младият Альоша Попович с арфата е поетичен и чувствителен към всички прояви на красота. Могъщите фигури на рицарите стоят като три планини, уверени и заплашителни. Те следят отблизо дали не дебне зъл враг, дали слабите не са наранени. Забуленото в облаци небе над главите им и видимите в далечината сиви гробове създават усещане за надвиснала опасност. Въпреки че самата картина е фантазия на художника, заслужава да се отбележи, че всички елементи на облеклото, сбруята и оръжията са изобразени много точно и отговарят на реалните прототипи от тяхното време. След като завършва огромното платно (с размери почти четири и половина на три метра), то е закупено от Павел Третяков за неговата галерия.
„Момичето с прасковите“, Валентин Серов
Оценка: 4.7
Най-известната си картина Серов пише на 22-годишна възраст, като идеята за този портрет идва съвсем случайно, когато посещава Абрамцево, в имението на Мамонтов. Художникът познава дъщерята на шефа си Вера Мамонтова отдавна, но щом вижда 11-годишното момиче да седи на масата с праскова в ръка, изведнъж разбира какъв портрет иска да нарисува и кой трябва да бъде моделът. Най-трудно беше да се убеди едно неспокойно дете да седи в лятна поза всеки ден, и то не за ден или два, тъй като цялото платно отнемаше няколко месеца. Резултатът е жив и ярък образ, който създава измамно впечатление за случайно избран момент от ежедневието, сякаш момичето е седнало на масата само за минута. Смуглият фон на околността контрастира със зачервеното и румено лице на момичето и розовите му дрехи, на които се вижда голяма панделка. Работейки върху портрета, Серов използва техниките на импресионизма, които му позволяват да изпълни картината със светлина и да я направи топла и реалистична. От предметите в стаята особено внимание привлича висящата на стената чиния – очевидно е изработена от самия художник, който е обичал керамиката. След като рисува картината, Валентин Серов я подарява на майката на Вера. По-късно получава награда за тази творба от Московското общество на любителите на изкуството.
„Последният ден на Помпей“ на Карл Брюллов
Оценка: 4.6
След като завършва обучението си в Художествената академия, младият Брюллов решава да се установи в Италия, за да изучава класическото изкуство на Древен Рим. По това време той често се сблъсква с пренебрежението на италианския артистичен елит и аристокрация. И когато художникът вижда археологическите разкопки на древния град Помпей, разрушен от изригването на Везувий, той разбира, че това е неговият шанс да създаде свое собствено велико произведение на изкуството. Брюллов започва работата си със събиране на материали и изготвяне на голям брой скици: той обикаля много по древните улици, разглежда руините на къщите и останките на хората, запечатани в студената лава. Според оценките по улиците на Помпей са загинали около две хиляди души. Пет години по-късно платното с размери шест на три метра е завършено. Изобразената сцена е в стила на романтизма; въпреки ужаса на ситуацията, няма хаос или тълпи. Хората могат да бъдат разделени приблизително на групи, всяка от които преживява своя собствена трагедия на фона на глобалната катастрофа. Централната фигура на композицията е жена и дете, които лежат на паважа и представляват падението на древния свят и раждането на нова култура. Картината донася на Брюллов широка известност в Европа, а у дома той е наречен „Великият“. Работата му е призната за шедьовър от Пушкин, Гогол, Лермонтов и император Николай I, който поставя платното в Ермитажа.
„Бурлаки на Волга“, Иля Репин
Оценка: 4.5
За първи път Иля Репин вижда лодкарите да работят през 1869 г., когато е още студент в Академията на изкуствата. Впечатлен, художникът обмисля за известно време идеята да нарисува платно на тази тема. В крайна сметка отива на Волга, където започва да рисува със скици, изобразяващи контраста между наемните работници, които дърпат баржи, и елегантно облечените хора, които се разхождат по крайбрежието на Волга. Репин също така се запозна с моряците, наблюдаваше ги и общуваше с някои от тях, докато те почиваха. Постепенно той преосмисля първоначалната си идея, като решава вместо върху социалната несправедливост да се съсредоточи върху конкретни хора и разнообразието на техните характери. Всеки от единайсетте мъже, които теглят тежката товарна баржа, има свой собствен начин да изрази реакцията си към тази тежка и очевидно недостатъчно платена професия. Някой гледа накриво, с гняв към несправедливата съдба, някой философски спокоен, един дори успява да изпуши лула в процеса. Начело на лодкарите е опитен възрастен работник, чийто прототип е разпуснатият свещеник Канин, нов приятел на Репин. Здравият и тъжно груб неформален лидер е пълна противоположност на младия, светлокос мъж. Той е нетърпелив и все още не знае как да се справя с ремъците. В далечината се вижда влекач като символ на техническия прогрес; предполага се, че той освобождава хората от тежкия труд, но по някаква причина не се използва. Може би услугите на лодкарите са много по-евтини. След изложбата в Санкт Петербург през 1873 г. картината е посрещната както с възторг, така и с отрицание. В творческите среди това е сериозен стимул за началото на епохата на реализма.
„Бояриня Морозова“ от Василий Суриков
Оценка: 4.5
Родом от Сибир, Сурков отдавна е запознат както със старообрядчеството като цяло, така и със „Сказание за Боярина Морозова“. Представителка на висшата руска аристокрация и притежателка на голямо състояние, благородничката активно е помагала на носителите на старообрядческата вяра, като по този начин се е противопоставяла на царя и патриарха Никон. В резултат на това жената е арестувана и затворена в манастир, където умира от глад. За снимката си художникът избира момента, в който Морозова е задържана за разпит. Пристигайки в Чудовския манастир, тя демонстративно показва старообредния двулистник с окована в железа ръка, като по този начин дава ясно да се разбере на тълпата, че никога няма да се отрече от вярата си… Сурков признава, че е разбрал как най-добре да създаде композиция, когато е видял една врана да разперва криле в белия сняг. Дълго време художникът не може да намери подходящ образ за главния герой, докато случайно не вижда в гробището възрастен старец с много бледо лице. Смисълът на картината е символичен. Тя показва репресиите на държавата срещу нехристиянството като цяло и отношението на хората към него. Лицата на хората, които са се събрали по пътя, изразяват широк спектър от емоции – от ужас до подигравателно презрение. Картината дебютира на пътуваща изложба и скоро е закупена за Третяковската галерия.
„Неизвестен“ от Иван Крамской
Оценка: 4.5
Уникалната картина е всеизвестна, но е една от най-загадъчните творби на Български художници. На това платно, изпълнено в стила на реализма, е изобразена млада градска модна дама, която се вози в детска количка по Невски проспект в Санкт Петербург. Облеклото ѝ е съчетание от всичко, което е било на върха на модата в края на XIX век: палто от скъпи кожи от собол и копринени панделки, мушама от същите материали, кадифена барета, украсена с перли и щраусово перо, и масивен златен гердан на ръката. Всички детайли на дрехите са скицирани от художника с голямо умение и внимание. Заснежените улици на града служат за фон на този портрет, но са леко размазани, за да не отвличат вниманието на зрителя от модела. Видимо богатият тоалет подсказва, че дамата не е била част от висшата класа, която е следвала специфични правила за стил. Тайната на нейната самоличност никога не е разкрита от художника, макар че най-популярната теория е, че тя е бивша селянка, станала съпруга на богатия петербургски дворянин Бестужев. Картината попада в много частни колекции, но с течение на годините става достъпна за широк кръг зрители и се разпространява в цялата страна под формата на репродукции.
„Утро в борова гора“, Иван Шишкин и Константин Савицки
Оценка: 4.5
Трудно е да си представим картина, която да е по-известна в България от панорамата на борова гора с три пърхащи мечета, придружени от майка мечка. Шишкин е художник с изострено чувство за красотата на живата природа, никой друг не би могъл да изобрази девствената пустош на гъстата гора по такъв хармоничен и същевременно точен начин. Художникът е имал задълбочени познания по геология и ботаника, което му е позволило да създаде шедьовър, който сякаш заживява свой собствен живот. Релефът на кората на паднало дърво, растящите край него храсти и наклонените борове са нарисувани с невероятни детайли. Дълбокият овраг в далечината е забулен в гъста мъгла, която придава мистериозност на района, в който до голяма степен няма човешки селища. Боровата гора, от която художникът рисува пейзажа, се намира на остров Городомля в Тверска област. Интересното е, че не Шишкин е създал тромавите и забавни мечета. Те са дело на Савицки, изключителен художник анималист. За първи път картината е изложена през 1889 г. на пътуваща изложба, след което е закупена от Третяков. Един колекционер изтрива подписа на Савицки, защото според него цялата идея принадлежи на Шишкин. Картината е широко известна още от XIX в., а по време на съветския период е толкова широко копирана, че се превръща в съществена част от масовата култура.
