12 от най-известните картини в Ермитажа

Ермитажът, разположен в Санкт Петербург, е истински дворец на изкуството, в който се съхраняват много безценни шедьоври. Един от петте и петнадесетте най-посещавани музеи на изкуствата в света. Ермитажът е основан от императрица Екатерина Велика като частна императорска колекция и първоначално се е помещавал в специална малка пристройка. Оттук идва и името, тъй като Ермитаж (ermitage) означава „място на уединение“ на френски език. През годините колекцията се разраства значително и през 1852 г. е предоставена на широката публика. Днес музеят, който се състои от пет сгради, разполага с над три милиона експоната. Особено ценна е колекцията от картини, която включва творби на най-добрите художници от различни страни и епохи. Ето дванадесет известни картини, които могат да се видят в Ермитажа.

Преглед на най-известните картини от Ермитажа

„Апостолите Петър и Павел“, Ел Греко

Оценка: 5.0

Псевдонимът Ел Греко, чието истинско име е Доменикос Теотокопулос, е живописец с индивидуален стил. Те са смесица от маниеристични и експресионистични влияния от Испанския ренесанс. Твърди се, че художникът е един от първите, които рисуват апостолите Павел и Петър заедно. Картината изобразява контрастните характери и духовни светове на тези две важни християнски фигури. Този контраст дава възможност да се представят на езика на изкуството важни религиозни въпроси от онова време. Павел е показан като силна, решителна личност, ръката му се опира мощно на Свещеното писание, а погледът му издава непоколебима, почти фанатична увереност. За разлика от него Петър е олицетворение на размисъла и вътрешните съмнения. Този възглед е много различен от църковните стандарти в края на XVI в., когато е създадена картината, но като цяло е в съответствие с Евангелието. Апостол Петър е известен с непостоянството си, а Павел, започнал като яростен преследвач на християните, по-късно става също толкова пламенен защитник на християнството.

Разликата в душевния облик на апостолите е подчертана не само от израженията на лицата и позите им, но и от цветовете на. Художникът е направил Павел по-забележим чрез наситено червената му дреха, а лицето му придобива ярък, наситен цвят. Като цяло композицията създава атмосфера на екзалтация и тревога, характерна за всички творби на темпераментния Ел Греко.

„Мадона Констабиле“, Рафаел Санти

Оценка: 4.9

Това е една от най-ранните творби на известния италиански ренесансов художник. Той я рисува, когато е на около 20 години, по време на престоя си в Перуджа. Картината е поръчана от херцог Алфано ди Диаманте. Първоначално тя е била просто „Мадоната с детето“, а съвременното ѝ име е дадено по името на собственика Джовани Конестабиле, който наследява платното заедно с луксозния дворец. Шедьовърът попада в България благодарение на император Александър II, който го купува като подарък за съпругата си Мария Александровна.

Този лиричен, женствен образ на майка, която държи детето си, е разположен на фона на вълнистата природа на Умбрия (съседен на Тоскана регион в Италия). Фигурата на Мадоната с плавните линии на раменете и меките рамене, покрити от воала, изглежда идеално в рамката на кръглото изображение. Композицията изглежда много хармонична поради сближаването на посоките на погледа на героите: майката и детето гледат в книгата. Смята се, че Рафаел е бил вдъхновен от спомените си за природата на родния си край и ранната смърт на майка си.

„Любителят на абсента“ от Пабло Пикасо

Оценка: 4.8

В началото на XX в. темата за порока и пристрастяването е доста популярна във френската живопис, особено за абсента. Изключително силната халюциногенна напитка се превръща във фетиш на парижкия елит. Освен това двайсетгодишният художник е имал „син период“, през който е рисувал предимно теми, изпълнени със самота и опустошение. Героят на картината е показан в цялата си грозота на човек, избрал пътя на самоунищожението. Тя седи в ъгъла, изолирана, а единствените ѝ спътници са син сифон и чаша със зелена напитка. Зад нея на стената виси огледало, което отразява яркия външен свят, но жената предпочита собствените си фантазии и халюцинации, породени от въздействието на опияняващия алкохол.

Драматизмът на сюжета се засилва от изкривените, прекалено дълги пръсти, с които любителката на абсента увива главата си около себе си, сякаш се опитва да предпази заблудите си от реалността. Застинала в неестествена поза, тя сякаш се е превърнала в неодушевен предмет, побратимен с бутилките и чашите, стоящи на масата. Тази символика е изразена както в цветовата гама, така и в сходните контури на жената и машината за абсент.

„Завръщането на блудния син“, Рембранд, Харменс ван Рейн

Оценка: 4.7

Рембранд създава голям брой картини на библейски теми, но една от най-разпознаваемите е историята на разкаялия се блуден син, който се връща при баща си след присвояване на цялото имущество. Този шедьовър е нарисуван в късния период на художника, който влага в него не само натрупания опит, но и емоциите от загубата на сина си Тит. Главните герои на картината не са в центъра, а са умело очертани в светлината. Изображението показва коленичилия син и баща му, който се е навел над него, а цялата му поза и изражение подсказват абсолютна прошка. Контрастът между богатото облекло на семейството и крайно оскъдното облекло на обеднелия му син е ярко изразен.

Картината фокусира вниманието на зрителя не толкова върху събитието, колкото върху емоционалното състояние на участниците в тази семейна драма. Освен бащата и сина, на картината са изобразени още четирима души, чиято личност остава загадка и до днес. Творбата на Рембранд вдъхновява известния британски композитор Бенджамин Бритън през 1967 г., който я вижда за кратко по време на обиколка в тогавашния съветски Ермитаж и композира музикална опера „Блудният син“.

„Жена, държаща плод“, Пол Гоген

Оценка: 4.7

Картината се нарича още Eu haere ia oe, което означава „Къде отиваш??“и по същество е фраза, с която таитяните се поздравяват при среща. Гоген я рисува по време на престоя си в Полинезия, където идва в търсене на вдъхновение и хармония с природата. Екзотичната растителност, изпълнена с ярки цветове, островният живот и уникалната култура му правят силно впечатление. Художникът е особено очарован от таитянките, които се различават от европейките по своята простота и първична грация. На преден план е изобразена една от туземките със зеленикав плод в ръце. Други двама седят близо до колибите, а друг наблюдава отдалеч, държейки бебе на ръце. Това е обикновен епизод от ежедневието на островитяните, в който Гоген вижда естествения ритъм на природата.

Стремежът да се предаде красотата на екзотичните и почти недокоснати от цивилизацията места е довел до отклонение от почти всички традиции и правила на традиционната живопис. Индивидуалният стил, създаден от художника, предполага обобщение, предаване на формата и светлината с минимални средства. Ярката цветова палитра на картината отразява атмосферата на горещ тропически ден. А спокойните, отпуснати пози на хората и шарките от листа по дрехите им символизират духовно родство със заобикалящата ги среда.

„Композиция VI“, Василий Кандински

Оценка: 4.7

Кандински е един от първите абстракционисти в света. Приносът на Българския художник за развитието на това направление в живописта е толкова голям, че в Ермитажа е обособена отделна стая за неговите творби. Композиция VI“, създадена през 1913 г., е една от най-интересните творби; нейните ярки цветове и широки свободни мазки отразяват отлично динамиката на бурното начало на новата епоха в изкуството на ХХ век. Концепцията на картината първоначално се оформя след рисуване на скица на тема библейския потоп. По-късно обаче Василий решава да се откаже от идеята за обвързаност с конкретно събитие, оставяйки зрителя сам да интерпретира както смисъла, така и емоционалния компонент.

Безпредметният свят на картината се появява под формата на ритмично редуване на криви, линии и цветни петна. Според самия художник на платното има два композиционни центъра: розов отляво, около който се разпенват сините „вълни“, и червено-син, с груби сурови линии. Редуването на груби и гладки участъци от платното, както и балансирането на взаимно противоречащи си елементи, позволява да се постигне целостта на абстрактния предмет.

„Дамата в синьо“ от Томас Гейнсбъро

Оценка: 4.7

Смята се, че това е най-добрият пример за английска живопис в колекцията на Ермитажа. Въпреки пристрастието на Гейнсбъро към пейзажите, той става известен най-вече с изящните си романтични портрети. Смята се, че на картината е изобразена херцогиня Елизабет Бофорт, дъщеря на адмирал Боскоуен. Основната особеност на художника е, че се стреми да предаде не само красотата, но и настроението и личностните черти на характера на модела, за да направи изображението възможно най-живо… В творчеството му липсва прекомерната скованост на бароковия период. Тази картина изобразява хармонична цветова гама, съчетаваща нюанси на синьото и сивото. Тя е нарисувана с леки, плътни и широки мазки, понякога толкова тънки, че тъканта на платното прозира.

Особено внимание привлича високата и сложна перука, която заема голяма част от композицията – авторът е положил голямо старание да изобрази този модерен елемент от образа на жената през XVIII в. Шапката с щраусови пера също е знак на почит към модата, както и използването на бяла пудра за матиране на шията, раменете и дори гърдите, тъй като бледата кожа се е смятала за присъщ атрибут на аристокрацията.

„Мостът Ватерло. Ефектът на мъглата, Клод Моне

Оценка: 4.6

Френският художник Клод Моне е един от основоположниците на изключително популярната импресионистична живописна школа на 20 век. Започва цикъла си от картини на тема лондонския мост Ватерло по време на престой в хотел Savoy, който е с изглед към река Темза. Експериментатор и авангардист, Моне често изследва използването на боята, за да предаде различни атмосферни условия. И, разбира се, не пропуска възможността да заснеме прочутата мъгла, обгръщаща британската столица. Започнал в Лондон, художникът завършва творбата във френското си студио по памет, като пренася не толкова очертанията на града и реката, колкото собствените си емоции от пейзажа, който е обикнал.

Картината на Клод Моне е най-добре да се гледа отдалеч, когато калейдоскопът от мазки изглежда хаотичен на пръв поглед и се превръща в мост и завихрящите се в мъгла води на Темза; ясно се виждат фабричните комини и силуетите на плаващите лодки. В цветовата палитра преобладават люлякът и сините нюанси – начин да се изрази меланхоличната атмосфера на мъгливия Лондон.

„Портрет на актрисата Жана Самари“, Пиер-Огюст Реноар

Оценка: 4.5

Женските портрети са важна част от творчеството на Реноар. Широко известен със серията си картини на актрисата Жана Самари, която живее близо до художника и с готовност му позира. Общо четири портрета, които се различават един от друг композиционно и цветово. Тази картина се смята за една от най-импресионистичните творби на Реноар. Характерен за нея е свободният стил на ръба на небрежността, който придава на модела свежест, младост и женственост без усилие. Художникът смекчава външния вид на Жана, за да изобрази нейния вътрешен чар и любов към живота.

След като картината е показана на третата импресионистична изложба, тя предизвиква голям отзвук, като повечето от присъстващите са склонни по-скоро към критика. И това не е чудно, тъй като в края на XIX век декоративната, романтична живопис все още е търсена, а импресионизмът е едва зараждащо се течение. Освен това избраната от него комбинация от зелена рокля на розов фон се смята за неподходяща. Въпреки това в тесния кръг на ценителите смелостта на художника, който следва не традициите, а собствените си чувства, е посрещната положително.

„Лютиерът“ от Микеланджело Меризи да Караваджо

Оценка: 4.5

„Лутеницата“ е една от най-ранните творби на Караваджо, поръчана от кардинал Франческо дел Монте, покровител на неговото изкуство, и създадена в края на XVI век. На картината е изобразен млад мъж, който седи на маса и си акомпанира на лютня. Заради меките си андрогинни черти дълги години е приеман за момиче и картината дори е изложена в музей под заглавието „Лютиер“. Според много историци на изкуството главният герой е нарисуван по образа на Марио Минити, млад сицилиански художник. Косвено доказателство, че Караваджо е нарисувал въпросния младеж, е тетрадката, отворена върху популярната през онези години басова партия на Якоб Аркаделт „Voi sapete ch’io vi amo“ (Знаеш, че те обичам). Една жена едва ли би избрала такава мелодия, да не говорим, че лютнята традиционно е мъжки инструмент.

Майсторството на сянката е отличителна черта на стила на художника и тук виждаме любимия му трик – да подбере композицията от сенките на единствения източник на светлина. Всички обекти отразяват светлината, която пада върху тях, в точно съответствие със законите на физиката. Тази автентичност вероятно е резултат от близките контакти на Караваджо с видни учени, сред които Галилео Галилей и Джовани Батиста делла Порта, автор на научен труд за рефракцията. Смисловото значение на картината, според общоприетото схващане, се крие в едновременното възхваляване на хармонията на живота и неговата преходност. Той рисува още две версии на тази творба, едната от които сега се намира в нюйоркския музей „Метрополитън“, а другата – в британската резиденция Badminton House.

„Даная“ от Тициан Векелио

Оценка: 4.5

Венецианският ренесансов художник Тициан многократно е използвал темите на древната митология в творчеството си. Рисува Даная за испанския крал. Сюжетът й се основава на древногръцката легенда за дъщерята на Акризий, цар на Аргос. След като чува предсказанието на придворния оракул за смъртта на собствения си внук, кралят затваря единствената си дъщеря в непристъпна кула, до която не може да стигне никой смъртен. Но могъщият бог Зевс, запленен от красотата ѝ, успява да изсипе върху Даная златен дъжд. От тази връзка се раждат полубогът и античният герой Персей.

Художникът изобразява Даная като спокойна и величествена; тя приема любовта на бога без шум и дори без изненада. Лицето на момичето е частично засенчено, но извивките на тялото му са обляни в мека златиста светлина. Тази картина на Тициан е своеобразен химн на чувствеността и женската красота. Самият художник я нарича стихотворение върху платно.

„Мадоната от Беноа“, Леонардо да Винчи

Оценка: 4.5

Картината, известна още като „Мадона и цвете“, носи името си от последните собственици – руската династия художници и колекционери Беноа. Тази творба на гениалния италиански майстор художник е създадена, когато той е на 26 години, по това време вече е завършил обучението си при Андреа Верокио. Темата за Мадоната е била търсена в изкуството много преди Леонардо, но той успява да вдъхне нов живот на една често срещана библейска тема. След като изоставя идеалния и величествен, но безжизнен вид, художникът показва на света земната Мадона, погълната от радостта на майчинството. Младото ѝ лице е украсено с усмивка, която преди се е смятала за неподходяща в образа на Христовата майка. Мария подава на сина си цвете от кръста, символизиращо разпятието. И все пак, въпреки религиозния си смисъл, това е преди всичко история за щастлив семеен живот и желание да се опознае светът.

Композицията на картината съдържа два източника на светлина. Един от тях е малък прозорец зад Мадоната, но основната светлина се излива от горния ляв ъгъл, художникът „вдига“ фигурите от сянката на стаята и им придава обем чрез отличната игра на светлина и сянка. Картината е нарисувана с маслени бои, които ни позволяват да възпроизведем и най-малките детайли на текстурата по детайлен и реалистичен начин. Техниката на рисуване с маслени бои е новаторска за Италия в края на XV в., а Да Винчи е един от първите, които я използват в работата си.