12 от най-добрите картини на Клод Моне

Познавач на природата, известен със създаването на нова и изключително популярна медия – импресионизма – Клод Моне днес е признат от критиците за символ на своята епоха. Кой би предположил, че малкият карикатурист по-късно ще окаже силно влияние върху художници от цял свят, създавайки съзвездие от великолепни картини с уникален, невероятно ярък колорит, който по времето на неговата неизвестност предизвиква слухове за лудост. Ето някои от най-добрите картини на великия майстор – най-известните творби на френския импресионист.

Следи от великия импресионист: 12-те най-добри шедьовъра на френския гений Клод Моне

„Сан Джорджо Маджоре по здрач“, 1908-1912 г

Оценка: 5.0

Една от най-известните и значими картини в творчеството на великия импресионист. В сюжета преобладават оранжевите тонове, с които художникът свързва упадъка на италианския град. Венецианската катедрала и водата, разбира се, се открояват ярко на цветния фон.

Самият майстор отбелязва, че картината на сумрачния град е изпълнена по необичаен за него начин: идеята на платното е толкова впечатляващо красива и омагьосваща, че художникът работи трескаво, буквално стъпвайки по петите на слънцето, което се движи към залеза, и неговите водни отблясъци. Моне използва драматични цветови контрасти в творбите си, които придават на картината по-голяма дълбочина и яркост.

Тъй като идеята е вдъхновена почти мигновено, Моне прилага техниката на кратките щрихи и бързото запълване на платното с паста. По този начин той успява да улови момента на цветовете и точно да възпроизведе играта на светлината. Основната цел на творчеството на автора не е да предаде морално послание или дълбок смисъл на зрителя, а да създаде чувствено впечатление, събуждащо приятно усещане, импресионизъм, не напразно – Моне е един от най-ярките представители на импресионизма.

„Дама в зелена рокля (Камила)“, 1866 г

Оценка: 4.9

Портретът показва съпругата на великия импресионист Камий Доние в момент, когато тя все още не е негова съпруга или дори годеница. По това време Клод и Камий току-що са се запознали и след една от тези срещи Моне решава да претвори на платно яркото впечатление, което се поражда между младите хора. В „Дамата със зелената рокля“ художникът успява да улови трепетния момент, когато момичето, застанало почти на изхода, се обръща.

Моне не хаби енергия за рисуване на фона: той съсредоточава цялото си умение върху самата Камила – внимателно описва лицето ѝ, извивката на шията, изражението ѝ, дори лекото движение на ръката ѝ и с любов проследява роклята и палтото ѝ. Картината не е въздушна или някаква друга ефирна: художникът се е опитал да покаже момичето по реален, жив начин. Моне не се нуждае от метър: роклята изглежда тежка и сякаш се влачи по пода, което подсказва, че е направена от тежък плат.

Моне рисува това, което е видял и обикнал с цялото си сърце (въпреки краткото им познанство художникът се влюбва страстно и пламенно в момичето), без никакви украшения или усложнения, които биха обидили Камий. Картината изглежда невероятно жива и дълбока, разкривайки страстта и трепета на влюбен млад мъж.

„Разходката. Дама с чадър“, 1875 г

Оценка: 4.9

Смята се за начало на цикъл от картини, първата и най-важна от които е нарисувана през 1875 г. В основата на портрета е Камила, първата съпруга на художника. Смята се за най-значимото произведение на 70-те години на XIX век. Картината изобразява Камила със сина ѝ в пустинята край Коломб и Женивиер.

Мадам Моне стои наполовина настрани, сякаш внезапно открива зрителя. Роклята ѝ се развява от вятъра. Фигурата е леко изместена надясно, което се компенсира от наклонения чадър, в чийто купол се отразява ярката ливадна зеленина. Малко по-далеч, видим само на височината на кръста, стои синът на Моне, който сякаш гледа внимателно зрителя.

Картината е създадена на място, на открито, най-вероятно в рамките на един сеанс. В периода на създаване на платното в творчеството на художника постепенно започва да преобладава внимателното разработване на персонажите, които изместват пейзажите. Въпреки това великият импресионист никога не забравя да остави неуловимата слънчева светлина да проникне в него, за да го накара да изглежда жив.

Позиционирането на женския персонаж върху платното и ниската линия на хоризонта могат да се смятат за особен акцент в картината, който ѝ придава цялостен монументален вид – доста необичайно представяне за френски импресионист.

Серия „Купи сено“, 1890-1891 г

Оценка: 4.8

Моне вярва, че пейзажът трябва да бъде нарисуван в пълния цвят, форма и настроение на околната среда и „това ще доведе до лично, наивно виждане на ситуацията, която гледате“. Моне не е първият художник, който пренася селския пейзаж върху платното, като основната тема са купите сено. Ван Гог, Писаро, Гоген и други велики художници вече са рисували по тази тема.

Но Моне се отличава с това, че използва два новаторски елемента в работата си: начина си на виждане на светлината и създаването на цяла поредица от картини. Благодарение на упорития труд и таланта на художника днес можем да съзерцаваме разнообразието на един мотив в зависимост от времето на деня и променящата се светлина.

С тази серия от купове сено Моне е искал, по собствените му думи, да представи хода на времето. Той се оплакваше, че през лятото, когато рисува, слънцето залязва толкова бързо, че художникът не може да бъде в крак с него и винаги търси мимолетната промяна на светлината.

През 1888 г. Моне прави няколко проучвания на жив плет в близост до Живерни. Той ще се върне към тази тема година по-късно, в началото на жътвата. Работи усилено в продължение на месеци, рисувайки полета, покрити с отблясъците на лятното слънце, ярко червеникави през есента и плътно покрити със сняг през зимата.

Лятото на 1890 г., когато майсторът е потънал в делото „Олимпия“, нетърпелив да откупи картината от вдовицата на Мане и да я подари на Лувъра, е облачно, с чести дъждове. Затова художникът трябва да се погрижи за това в студиото, опитвайки се да си представи колко цветно и необикновено може да бъде небето. Петнайсетте картини от серията, изложени за първи път в „Дюран-Рюел“, имат огромен успех и се разпродават въпреки високата цена.

Серия за катедралата в Руан, 1892-1893 г

Оценка: 4.7

Още една серия от картини на блестящия импресионист, само че този път в центъра на сюжета – величествената готическа катедрала в Руан. За тази серия Моне живее в близост до катедралата и рисува от ранна сутрин до късна вечер. Живописецът е невероятно очарован от играта на светлината върху студения камък и се стреми да пренесе този поразителен контраст върху платното.

Вниманието на Моне не е насочено към сградата, а към част от нея – двете кули: Мартин и Албан. В импресионистичния вид елементите на катедралата изглеждат като портал и всяка картина изобразява тази страна на сградата. С напредването на работата си художникът постепенно нанася все повече и повече боя върху платното, опитвайки се да подчертае някои детайли и да придаде на картината собствена светлина.

Често работата се извършва бързо, но самият Моне се оплаква от този факт, като казва, че това затруднява задачата и не му е лесно да пренесе визията си върху платното. Понякога художникът е измъчван от кошмари, в които катедралата пада върху него или коварно променя цвета си.

Публиката вижда шедьоврите на френските импресионисти едва през 1895 г. и въпреки че критиците са разделени, много художници (включително чужденци) променят своя мироглед. Почти веднага 8 от картините в серията са продадени на различни колекционери. Останалите, въпреки доста високата цена (около 15 000 франка), са купени от още няколко ценители на импресионизма.

Серия „Водни лилии“, 1896-1926 г

Оценка: 4.7

Огромният цикъл включва почти 250 платна, всяко от които е изпълнено с маслена живопис. Някои картини могат да се нарекат монументални, и то не само заради внушителните си размери, но и заради брилянтното цветово възприятие. За удобство на работата художникът построява ново студио със специално осветление.

Заслужава да се отбележи, че Моне е толкова увлечен от работата и впечатлен от резултата, че не иска да се раздели с нито една от картините в серията „Водни лилии“ след почти 30 години упорит труд. Тези платна започват да се появяват в музеи и частни колекции едва след смъртта на Моне.

Моне се гордее с факта, че е успял да си купи собствено имение (намиращо се в Живерни), в което е създал пищна цветна градина. Серия от картини, изобразяващи водни лилии, растящи в собствената градина на художника. Между другото, много от платната са създадени по времето, когато художникът вече страда от катаракта. Но това вероятно му е помогнало да се отклони от традиционното си възприемане на цветовете и да създаде невероятна игра на цветове и нюанси.

Картини от серията „Водни лилии“ са изложени в много музеи по света: Париж, Ню Йорк, Уелс, Орегон и др. Аукционната къща Christie’s определя „Водните лилии“ на Моне като една от най-разпознаваемите и значими творби на XX век, оказала голямо влияние върху художниците импресионисти и модернисти по целия свят.

Серия за гара Сен Лазар, 1872-1877 г

Оценка: 4.6

През 1872 г. Клод Моне отива в посока Сен Лазар и обявява, че планира да нарисува серия от картини, чиято основна тема ще бъде гарата. Художникът смята, че сградата на гарата е една от най-впечатляващите по онова време, и иска да предаде впечатленията си от епохата на техническия прогрес, като се отдалечава от пейзажните теми.

Тъй като Моне е рисувал от живота, персоналът на гарата се е хвърлил да направи Сен Лазар колкото се може по-ефектен: гарата се почиства постоянно и дори локомотивите са боядисани, а машинистите се опитват да пуснат колкото се може повече пара. Великолепната панорама завладява френския гений и в резултат на това той рисува 12 картини, които изобразяват гарата не само от различни ъгли, но и при различно време и по различно време на денонощието. Тази поредица е първата в творчеството на художника: скоро ще се „родят“ „Стакове“ и „Водни лилии“.

Изложена за първи път през 1877 г., серията „Гара Сен Лазар“ има огромен успех. По-късно известният френски писател Емил Зола казва, че именно атмосферата, пресъздадена от картините на Моне, го е вдъхновила да напише романа си „Човекът звяр“ за френската железница.

„Дами в градината“, 1866 г

Оценка: 4.5

Картината е смятана за много необичайна за съвременния зрител. Моне иска да покаже ясно, че ще рисува само така, както му диктуват вдъхновението и инстинктът, без да се съобразява с академичната традиция. Френският пейзажист Гюстав Курбе, който често посещава Моне по това време, е впечатлен не само от визията на художника, но и от мащаба на платното. Заради огромните си размери (255×205 см) тя е изключително тромава: художникът е трябвало да спусне платното в специална шахта с помощта на лебедка, когато започва да рисува горната част на картината.

Импресионистът се стреми да възпроизведе играта на сенките и светлината възможно най-точно, като изпипва и най-малките детайли на обекта. На героите му е отредена второстепенна роля. Например жените, изобразени на платното, изглеждат стилизирани, а лицата им почти не се виждат: едната дама стои полуобърната, другата е с гръб, а третата се крие зад букет цветя. По този начин художникът дава да се разбере, че за него не е най-важна отделната личност, а взаимодействието на човека с външния свят.

Въпреки привидния традиционализъм, картината е наистина новаторска: многобройни полуобръщания, изрязани краища на роклите – за един академичен художник всичко това би било невъзможно. „Дами в градината“ е нарисувана по време на труден финансов период за Моне, така че работата върви трудно. Той планира да изложи точно тази творба в Парижкия салон, една от най-престижните изложби на изкуство във Франция, но журито отказва да я допусне. Но когато Моне става известен, картината „Дами в градината“ е закупена от френското правителство за огромната сума от 200 000 франка.

„Впечатление. Изгряващото слънце“, 1872 г

Оценка: 4.5

Когато основателят на импресионизма рисува картина, той смята, че това е поредната му творба, която няма да може да се продаде. Но именно с тази изложба започва раждането на нова посока в живописта. През 1874 г. творбата е представена на самостоятелна изложба заедно с произведения на други „братя по дух“. Усилията на младите таланти обаче не бяха оценени от всички.

Така журналистът Луи Лерой, след като посещава изложбата, написва критична статия, озаглавена „Изложбата на импресионистите“, в която разобличава художниците като смешници, заявявайки, че подобни „творения“ подлудяват академичните художници и дават на неизвестните тогава млади хора обидното прозвище „импресионисти“. Разбира се, по онова време той не е могъл да си представи, че художниците в крайна сметка в знак на протест ще приемат този прякор, който ще се превърне в общоприето нарицателно и ще стане едно от най-известните художествени движения в света.

Впечатление. Изгряващо слънце“ Моне обръща особено внимание (както винаги) на цветовото предаване, като използва минимален брой нюанси, но създава невероятно жив, реалистичен пейзаж. Основните тонове са синкави: цялата картина има усещане за студен, влажен сутрешен въздух.

Художникът е успял много добре да предаде настроението на пристанището: така го виждат местните жители – малко мрачно, с отражения на слънцето във водата, с небе, преливащо в океана, където смътно се различават силуетите на корабите.

„Закуска на тревата“, 1866 г

Оценка: 4.5

Подценявана картина с трагична съдба, превърнала се в истински символ на своето време. Работата по платното започва през 1865 г., вдъхновена от скандално известната едноименна картина на Едуар Мане, която има фриволно съдържание. Но освен еднаквото заглавие и може би горския пейзаж, те нямат абсолютно нищо общо помежду си.

Зад създаването на платното стои наистина херкулесова задача, тъй като картината е огромна – 400×600 см. А работата с такова огромно платно изисква много умения, способност да усещаш и правилно да формираш композицията, цветовете, разположението на героите и т.н.

Художникът започва работа на предварително избрано място в гората на Фонтенбло. За модели използва съпругата си Камий и приятеля си Фредерик Базил. Моне първо рисува гората в пленер, след това скицира героите в студиото, а после отново тръгва с моделите си, за да нарисува етюди от живота. След това художникът сглобява всички елементи в студиото.

На платното е изобразен прохладен летен или пролетен ден. Блестящо синьо небе, прозиращо през гъстата и буйна зеленина. Тук-там се промъкват леки слънчеви лъчи. На фона на пейзажа група мъже и жени си почиват, някои разговарят, други сядат да се хранят, а трети са се разположили на тревата. Усещане за забавление, свежест на гората, лекота.

Първоначално Моне създава „Закуска на тревата“, за да я представи на Парижкия салон, но не му стига времето и затова набързо рисува „Дамата със зелената рокля“. Изпитвайки финансови затруднения, художникът оставя незавършената картина като депозит на наемодателя си и решава да не предприема големи работи, които поглъщат всичките му пари и му създават трудности.

Но стопанинът съхранява шедьовъра небрежно и част от платното просто изгнива от дългия престой във влажно мазе. След 7 години Моне купува платното и го разрязва на 3 части, като оставя само 2 (едната е напълно неизползваема). Днес критиците смятат, че картината е дебютът на художника в новия тогава стил, истински флагман на предстоящата революция в изкуството.

„Сградата на парламента при залез слънце“, 1900-1901 г

Оценка: 4.5

През 1900 г. Пол Дюран-Рюел, непреклонен покровител на импресионизма, очаква завръщането на Клод Моне от британската столица. Това е, за да върне гледките, които е създал по време на престоя си в Лондон, на мостовете над Темза и сградата на Парламента. Художникът върнал творбата, но не бил доволен от скиците, затова се върнал година по-късно, за да завърши платната, и още една година по-късно.

Дюран-Рюел получава завършената лондонска серия едва през 1904 г., но чакането си заслужава: една седмица по-късно картината „Парламентът при залез“ е продадена на добра цена. Оттогава насам картината се намира в много частни колекции в Хавър, Париж, Ню Йорк и дори в Япония. През 2015 г. платното е продадено за 40 милиона евро. долари.

По време на цикъла си от картини Моне се оплаква от непостоянството на лондонското време: „Времето се променя постоянно заради облаците и силните ветрове… това ме подлудява.“. Състоянията на природата и неповторимите моменти на слънцето се сменят с огромна скорост, но това, което Моне е успял да предаде в платната си, е безценно. Тази картина има особен чар заради необичайния си, дори дързък ефект – ярко червено сияние, което се промъква през гъстите облаци.

„Мостът Ватерло в облачно време, 1904 г

Оценка: 4.4

Друг шедьовър от лондонската серия на Моне също се задържа в изложбите. Например тази невероятна гледка към моста Ватерло е купена от страстен любител на живописта, Българския колекционер Михаил Рябушински. По време на революцията в Руската империя той е на 37 години. Той скрива част от колекцията, предава част от нея на Третяковската галерия за съхранение, а след това емигрира във Великобритания. Картината попада в галерията на истинските търговци на античния свят – Вилденщайн. Впоследствие платното сменя много собственици – всички те са изключителни личности.

Клод Моне идва за първи път в британската столица със съпругата си, за да посети сина си, и веднага разбира, че ще се върне тук отново. Великият импресионист е впечатлен от колорита на града и с увереност започва да рисува местните пейзажи. Възхищава се на поезията на някои от лондонските обекти, но времето го подлудява, правейки работния процес многократно по-труден и в същото време невероятно вълнуващ.

Когато Моне се завръща от Лондон, той донася със себе си осем кашона с платна (!) и нито една от тях не е завършена. Художникът прекарва още няколко години в усъвършенстване на картините си, като не позволява нито една от тях да бъде продадена. Едва когато всички платна са завършени, те могат да бъдат видени от изумените зрители, както от импресионистите, така и от критиците.